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HISTORIA DELCINE INAI
Este blog nació una tardecita calurosa y harto creativa como respuesta a la necesidad de comunicación de los actores del International Actors Institute (INAI) Campus Querétaro.
Los hacedores de cine merecen una mención de respeto y admiracion pues sus discursos son referencia en nuestra vida diaria.
Compartamos vida, tomas, diálogos y conocimiento!
Sea!
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6 comentarios:
Oli.
Ultimatum a la tierra
TITULO ORIGINAL The Day the Earth Stood Still
AÑO 1951
DURACIÓN 92 min.
PAÍS
DIRECTOR Robert Wise
GUIÓN Edmund H. North
MÚSICA Bernard Herrmann
FOTOGRAFÍA Leo Tover (B&W)
REPARTO Michael Rennie, Patricia Neal, Hugh Marlowe, Sam Jaffe, Billy Gray
PRODUCTORA 20th Century Fox
GÉNERO Y CRÍTICA
Más información Ciencia-Ficción
Una visión futurista y fantasiosa de su realidad, la historia trata de una nave extraterrestre que acaba de llegar a la tierra aterrizando en Washington DC con cierta misión, el dar un mensaje importante a los ciudadanos, debido a que los seres humanos están impresionados y asustados por el acontecimiento inesperado disparan a uno de los extraterrestres, recién se acababa de presentar, la gente se alborota, pero ellos no saben que el extraterrestre quería advertirles sobre el fin de la Tierra, tratando de salvarlos.
Desde el título sinceramente me imaginaba que iba a desarrollarse una historia fuera de la normalidad de lo que había estado viendo la sociedad, una diferente expectativa de la realidad, creo que en éste film se reflejó mucho de lo que había venido en la Segunda Guerra Mundial, los destrozos que había provocado y la esperanza de una vida mejor, una oportunidad que pudiera cambiar cualquier situación.
Un buen comienzo para algo que había sucedido trágicamente, incluso las nuevas ideologías que ahora estaban desarrollándose, cambiando cada futuro de los humanos. Es interesante como utiliza elementos que no se habían tratado abiertamente como los extraterrestres, seres fuera de su mundo, vida fuera de la Tierra, entonces desde la historia ésta historia capta totalmente al público, sediento de nuevas realidades y visiones del mundo.
Los efectos especiales eran excelente en esa época, incluso se puede ver que en el film se cuenta con una mejor economía para invertir, el cast es mucho más amplio y se detalla cada efecto que el director buscaba demostrar.
La impresionante nave espacial que sale en un principio obligó a impresionar al público ansioso de ver más, y con el avance sonoro que había venido pudo complementar realmente éste film, haciéndolo mucho mas creativo y real.
Nos mencionan también que éste film fue de las primeras películas de ciencia ficción de los tiempos, Robert Wise prefirió desarrollarla a tono discreto en cuanto a los personajes, no dándole cierta importancia a uno de ellos en un principio, por ello muchos lo consideran como un estilo documental, narrando lentamente la historia y describiendo un todo.
Cabe destacar también que en el film fue perfectamente adecuado y adornado con juegos de sombras y lúces, esto no muy acostumbrado para esa época. Ambientalizando el film, y dando oportunidad a llevarlo a cierta realidad sin perder el toque de ciencia ficción.
Me agradó como realizó la historia, porque cualquier argumento, situación o visión nueva tiende a asustar y a ser satanizado por el publico, pero en éste caso trató con muy buen sentido la historia, presentando a nuevos seres en la Tierra de manera natural y amable, incluso amigable.
Para finalizar creo que fue un muy buen ejemplo del desarrollo de nuevas ideas y géneros. Y creo que los avances tecnológicos, y sonoros que se dieron dieron oportunidad a éste tipo de films que requerían aún más que la realidad.
Danna.
ENSAYOS
DÉCADA DE LOS 30'S
El mundo se sumio en la gran depresion que inicio en Estados Unidos El dinero escaseaba y para la mayoria de las familias la supervivencia resultaba ser todo un reto.
El desenfreno que se vivia en los años 20 quedo en el olvido y surgieron asi actividades más hogareñas. Los principales entretenimientos familiares eran los juegos de mesa, escuchar en la radio las "Big Bands" que hacían furor y como no había televisión, el cine era la gran alternativa para salir de casa. Para los más cultos, la lectura de un buen libro de Agatha Cristie, Dashielle Hammett y Raymond Chandler era la opción más adecuada.
El sueño americano, durante la década de 1930, se convirtió en una triste pesadilla, fue entonces cuando la tierra de las promesas se convirtio entonces en la tierra de la desesperación, donde la ilusión por la democracia, el capitalismo y el individualismo se desvanecían ante la realidad de un país que estaba inmerso en la desesperanza.
Al comenzar la década, el presidente era Herbert Hoover quien gobernó hasta 1932, año de elecciones en las cuales fue derrotado por Franklin D. Roosevelt. Como desde comienzos de la década, la economía dominó a la política, el gobierno de Roosevelt no fue diferente. En aquellos tiempos, los derechos civiles no eran un problema, pues la población negra que estaba totalmente marginada, no se había atrevido aún a reclamar un trato no discriminatorio. Los negros viajaban en la parte posterior de los buses, no podían ingresar en locales públicos sólo para blancos y había escuelas especiales para blancos y negros. En las fuerzas armadas, los negros sólo podían realizar labores serviles, jamás pensar en ser oficiales o siquiera tener la posibilidad de combatir contra tropas blancas por más enemigas que fueran de los EEUU. De hecho, los reglamentos prohibían que un soldado negro alzara su arma contra un soldado blanco.
En cuanto a la educación pública, la década fue crítica. Los padres no tenían dinero para costear los estudios de sus hijos y en muchos estados el gobierno local no podía suministrar materiales de estudios gratuitos. Las arcas públicas se encontraban en total quiebra, pues la gente no tenía dinero para pagar impuestos. Para aliviar un poco el problema, se recortó el período escolar y los maestros sufrieron una reducción en sus salarios. Un maestro percibía $40 dólares mensuales, durante un período de 5 meses, que era la duración del recortado período escolar. Pero lo grave fue, para aquellos estados rurales que por la crisis en la agricultura, los padres no podían pagar los colegios y el gobierno local se veía en la necesidad de cobrar por la educación. En consecuencia, muchos padres se veían obligados a retirar a sus hijos de las escuelas.
En el ámbito de la música Duke Ellington, Benny Goodman, Tommy Dorsey y Glen Miller eran unos de los exponentes clásicos surgidos en esa época. George e Ira Gershwin componían "Strike Up The Band", "Girl Crazy" y "Of Thee I Sing", mientras que Cole Porter escribía "Anything Goes", "Jubilee", y "Red Hot and Blue". En 1936, el Departamento del Interior contrató a Woody Guthrie para viajar por todo el país promoviendo la música country. También en 1936 la orquesta de George Gershwin interpretó por primera vez la ópera Porgy and Bess. En 1931, el Congreso declaró a "The Star Spangled Banner" escrita por Scott Key en 1814, como el Himno Nacional y en 1938, Kate Smith cantó "God Bless America" de Irving Berlikn, que es casi el segundo himno de los estadounidenses, y que muchos han propuesto que sea así oficializado debido que el actual himno es difícil de cantar.
Al mismo tiempo en Alemania, la radio alcanzó la cúspide. En 1939, el 80% de la población citadina poseía un radiorreceptor. Los programas cómicos abundaban y las operetas se escuchaban diariamente. Las radionovelas y series se popularizaron rápidamente. Las emisoras daban mucha importancia a los programas periodísticos y gracias a eso es que existen grabaciones de la tragedia del dirigible Hindemburg, que estalló en llamas cuando Herb Morrison reportaba su llegada. También se hizo famosa "La Guerra de los Mundos" que Orson Wells produjo con tal realismo, que la gente creyó que efectivamente había una invasión de extraterrestres en los Estados Unidos, creando el pánico en la población.
El cine de Hollywood fue uno de los grandes remedios para la depresión de la época. Los años 30 se convirtieron en la época de oro para la meca del cine. Las productoras no cesaban de sacar nuevas películas y los artistas europeos vieron en Hollywood la gran meta de su carrera. Clark Gable, Bette Davis, Greta Garbo, y Errol Flynn, filmaban película tras película. La gente reía con Bob Hope, y los Hermanos Marx, mientras que Shirley Temple cautivaba a los estadounidenses. Fred Astaire con Ginger Rogers y sus danzas de salón, eran los bailarines obligados en las cintas cinematográficas. Aparte de las películas típicas de la época, se filmaron operas clásicas como Oklahoma. En 1939, se estrenaba "Lo que el Viento se Llevó", un clásico de clásicos y Walt Disney produjo Blanca Nieves y los Siete Enanos, en 1937.
Pese a todos los adelantos técnicos y culturales, en muchas zonas rurales de EEUU, casi no había electricidad, cientos de miles de familias usaban carbón, leña y kerosén. Fuera de las grandes ciudades, muy pocos tenían refrigeradoras o artefactos eléctricos y en las zonas más deprimidas las familias sobrevivían con lo indispensable. Así se vivía en EEUU antes de la guerra, un país en crisis pero con un potencial industrial que luego les permitiría a los Aliados ganar la guerra y sobre todo reconstruir Europa en pocos años, a pesar de que se pronosticó que se requerirían 100 años para devolverle a Europa el esplendor que tuvo en 1939.
DÉCADA DE LOS 40'S
Con la llegada de los años cuarenta, el mundo se veia preparado para la guerra y para la industria del cine, mismo que desempeño un importante papel en cuanto a la realizacion de propagandas, la difusion de información, noticias, producir documentales y servir como medio publicitario para arraigar la moral y los principios éticos.
Muchas estrellas de la época, como Clark Gable, James Stewart y Frank Capra, por nombrar sólo a algunos, se sumaron a las filas del Ejército. Otros artistas no tan importantes siguieron actuando y alcanzaron la gloria durante los años de guerra como Van Jonson, Alan Ladd y las reinas Betty Grable y Rita Hayworth.
En 1940 Alfred Hitchcock, quien recientemente había migrado a América, dirigió Foreign Correspondent, una película que termina con una súplica a Estados Unidos para que reconozca que los Nazis son una amenaza muy peligrosa en Europa y que ellos deben involucrarse con la causa.
En 1940 Charlie Chaplin protagonizó y dirigió su primera película hablada El Gran Dictador, (The Great Dictator), una historia de guerra anti-fascista y satírica.
En 1941, Orson Wells , un joven de 25 años enamorado del cine, co-escribe, dirige y actúa como protagonista de su magistral película Citizen Kane, considerada como una de las mejores películas en la historia del cine Norteamericano.
La mejor película bélica de la época y de todos los tiempos fue sin duda Casablanca,1942, dirigida por Michael Curtiz, que cuenta la romántica historia entre Rick, un desilusionado dueño de un club nocturno, interpretado por Humphrey Bogart, y la hermosa Ilsa, interpretada por Ingrid Bergman. En esta película, ganadora del Oscar a la Mejor Película, Bogart alcanzó la gloria, aunque su papel reflejara la neutralidad americana de antes de la guerra con la famosa frase "I stick my neck out for nobody".
La película más famosa del actor y futuro Presidente de EE.UU, Ronald Regan, fue Kings Row, en 1942, en donde el personaje, luego de perder en un accidente sus piernas, dijo: "¿Dónde está el resto de mí?" ("Where's the rest of me?").
Algunos de los mejores documentales acerca de la guerra fueron las series Why We Fight, de Frank Capra; December 7th: The Movie, 1991, (salió en los 90's luego de ser censurada por el Gobierno de Estados Unidos por más de 50 años) y Memphis Belle: A story of a Flying Fortress (1944) de William Wyler, entre otras.
Después de la guerra, en 1946, William Wyler dirigió The Best Years of Our Lives, una provocativa y dramática película acerca de los contratiempos de tres soldados que regresan a los Estados Unidos. Esta película ganó ocho premios de la Academia incluyendo Mejor película.
El Technicolor, la técnica que permitía ponerle color a las películas desarrollada a finales de los años 30's, fue utilizada muy poco en los 40's como consecuencia de la generalizada reducción de costos que implantaron los grandes estudios de cine durante la guerra.
Muchas de las películas que se vieron en esta época representaron de una forma seria y auténtica sus temáticas a través del Blanco y Negro. Entre las que obtuvieron el Oscar a la Mejor Película están: Rebecca (1940); How Green was my Valley (1941); Mrs. Miniver (1942); Casablanca (1942/43); The Lost Weekend (1945); The Best Years of Our Lives (1946); Hamlet (1948) y All The King's Men (1949).
Al final de la década, las películas hechas en acetato reemplazaron las de celulosa de nitrato que eran inflamables y causaron el deterioro de muchas películas antiguas.
DÉCADA DE LOS 50'S
La década de los 50 fue una época de diversión. La gente tenía más dinero para gastar y más tiempo para dedicarlo al ocio. En la época posterior a la II Guerra Mundial, la mayoría de las películas retrataban a los hombres y a las mujeres en sus papeles tradicionales. Los jóvenes no tenían ningún símbolo de rebeldía con los que identificarse. Hollywood respondió entonces con el "antihéroe": estrellas como James Dean, Paul Newman, Marlon Brando y sus contrapartidas femeninas, Ava Gardner, Kim Novak y Marilyn Monroe
Los años 50 fueron también la época dorada del rock and roll. La influencia de la nueva cultura juvenil se hizo patente en películas como Semilla de maldad (Blackboard Jungle, 1955), en cuya banda sonora se podía escuchar el éxito Rock Around the Clock. Elvis Presley hizo su debut en la televisión estadounidense en 1956 en el programa The Tommy Dorsey Show y después de ello actuó en varias películas: Love Me Tender (1956), Jailhouse Rock (1957), Loving You (1957) y King Creole (1958). La encarnación de los deseos masculinos de los 50, Jayne Mansfield, protagonizó The Girl Can't Help It (1957.)
La afluencia de público a las salas de cine declinó con la expansión de la televisión. En 1951, NBC se convirtió en la primera cadena de televisión de Estados Unidos.
Los estudios de cine empezaron a concebir formas de ganar dinero con la televisión: transformaron sus estudios y empezaron a rodar más horas de película para la pantalla chica que para la grande. Las estrellas de televisión se convirtieron en estrellas de cine y el primero fue Charlton Heston. Otro fue Jack Webb, Por otro lado, la primera película basada en un programa televisivo fue Joe Friday
La televisión empezó a servir de entrenamiento para muchos directores. Acabaron creando algunas de las mejores películas que surgieron de Hollywood en los años 60: Bonnie y Clyde (1967), Matar a un ruiseño (To Kill a Mockingbird, 1962) y El mensajero del miedo (The Manchurian Candidate, 1962).
Hollywood continuó utilizando medios nuevos: Cinerama, cine en 3 dimensiones y CinemaScope. La gigantesca pantalla envolvente de Cinerama debutó en 1952. Esta técnica exigía tres cámaras, tres proyectores y pantallas entrelazadas semicurvas. La primera película que se rodó con este medio fue This is Cinerama (1952). Aunque el Cinerama produjo unos pocos éxitos más, al final se abandonó el medio cuando dejó de ser una novedad, debido a que el equipo y la construcción de salas especiales resultaban demasiado caros.
El cine con truco como el de 3 dimensiones requería que público llevara gafas especiales polarizadas. Las películas rodadas de esta forma eran generalmente de terror, ciencia ficción y musicales: Bwana Devil (1952), Los crímenes del museo de cera (House of Wax, 1953), Crimen perfecto (Dial M For Murder, 1954), It Came From Outer Space (1953), La mujer y el monstruo (The Creature from the Black Lagoon, 1954), Kiss Me Kate (1953)
Estas gafas especiales hacían que las imágenes saltaran de la pantalla, pareciera que cobraban vida, pero no eran muy populares porque la pantalla se veía algo borrosa. El efecto de 3 dimensiones no compensaba el hecho de que la mayoría de las películas no eran muy buenas.
Los años 50 fueron la era de Cecil B. DeMille. Los presupuestos aumentaron y con ellos la duración de las películas. La mayoría de los espectaculares largometrajes que Hollywood produjo en esta época se desarrollaban en Grecia, Roma o en los tiempos bíblicos, aunque también hubo otros temas que se trataron en el estilo espectacular de la época. El ganador del Oscar a la Mejor Película en 1952 fue El mayor espectáculo del mundo (The Greatest Show on Earth). Dos películas de asunto épico a mediados de la década fueron Sinuhé, el egipcio (The Egyptian, 1954) y Desiree (1954).
El CinemaScope fue uno de los primeros de los muchos procesos de pantalla ancha en los que los estudios de cine invirtieron en su guerra contra la televisión. Otros fueron VistaVision, SuperScope, 70 mm, Panavision-70, Technirama y Ultra Panavision. White Christmas (1954), que incluye la escena famosa de Bing Crosby cantando la canción que da título a la película, fue el primer largometraje de Paramount Studio en VistaVision. Hitchcock usó VistaVision en algunas de sus películas más famosas como Atrapar a un ladrón (To Catch a Thief, 1955), El hombre que sabía demasiado (The Man Who Knew Too Much, 1956), Vértigo (1958) y Con la muerte en los talones (North by Northwest, 1959). La película del oeste Vera Cruz (1954) fue la primera película rodada en SuperScope.
El puente sobre el río Kwai (The Bridge On the River Kwai, 1957) fue otro proyecto espectacular no sólo por su historia sino por su presupuesto. También se rodó una nueva versión de Ben-Hur (1959) que incluía la famosa carrera de cuadrigas. Ganó 11 Oscar
REBEL WITHOUT A CAUSE
TITULO Rebel Without a Cause
DIRECTOR Nicholas Ray
GUIÓN Stewart Stern
MÚSICA Leonard Rosenman
FOTOGRAFÍA Ernest Haller
REPARTO James Dean, Natalie Wood, Sal Mineo, Jim Backus, Ann Doran, Corey Allen, William Hopper, Edward Platt, Nick Adams, Dennis Hopper
PRODUCTORA Warner Bros. Pictures
PAIS USA
GENERO DRAMA
SINOPSIS:
Tres jóvenes, Jim Stark, Judy y Platón coinciden en una comisaría. Cada uno está allí por un motivo distinto: Jim está borracho, Judy se ha escapado de su casa y Platón acababa de matar a tiros a unos cachorros. El inspector Ray descubre que los tres mantienen una relación conflictiva con sus familias. Jim y Judy son recogidos por sus padres, pero Platón, hijo de una pareja divorciada, tiene que conformarse con la visita de la criada negra que vive con él.
Una película con mucho mensaje de fondo, Nicholas Ray ofrece una peli para reflexionar sobre una etapa difícil de la vida: la adolescencia.
Mediante una historia sencilla, pero profunda en varias ocaciones nos presenta la pelicula dentro de la confusión y “desorientación” tan peculiar de esta etapa.
Los sentimientos se mezclan en un ramillete de sensaciones: el amor, el odio, las amistades verdaderas, las pandillas, la rebeldía y el desmadre, la falta de reconocimiento de los padres, los hechos que no se reflexionan, el alcohol, el desafío a la muerte, las inseguridades, adultos en constante choque ideológico con sus hijos, falta de la familia como base de la sociedad, la inmadurez y todo lo que la adolescencia implica implica.
La película cuenta con una trama intensa, donde vivimos una situación en particular de vida que encierra todos los conceptos citados en el parrafo de arriba.
Sin altibajos, encontramos en esta peli un producto final bueno, que consiste en una caracterización reflexiva sobre temas profundos, pero muy bien planteados por el director.
Como dije, a partir de un sencillo relato se pueden sacar suficientes aspectos como para terminar con algunas ideas claras sobre lo que es la adolescencia, esa etapa que como la palabra lo dice significa para la persona la carencia de ciertas herramientas necesarias para afrontar la vida.
Un fuerte trío protagónico desde las actuaciones, que le valiera a dos de ellos (Sal Mineo y Natalie Wood) las nominaciones para los premios Oscar de 1956, presentan personajes muy bien delineados y muy bien actuados, con la fuerza y convicción suficientes para lograr una situación real al 100%.
James Dean encarna a Jim Stark, el adolescente de barrio solitario, deslucido y furioso. Con habilidad se transforma en el centro del relato, un personaje que marca el ritmo de la historia, a partir de él surgen las aventuras que dan vida al conflicto principal.
Conforme al trabajo del director, es una historia muy bien lograda, es una muy buena pelicula, que vale mucho la pena ver y que por supuesto merecio sus 3 nominaciones al Oscar. Y a parte cumple con su objetivo de hacer reflexionar sobre todo lo que hemos vivido y estamos por vivir.
Mi puntuación es: XXY en mi escala personal y solo cabe agregar que si la quieren ver: hacen bien si no… Pues haya ustedes.
XoXo… Dito
Danna Guillén
Título original:
Rebel Without a Cause
Título en espanol:
Rebelde sin causa
Ficha técnica
Dirección:
Nicholas Ray
Producción:
David Weisbart
Guión:
Stewart Stern
Nicholas Ray
Música:
Leonard Rosenman
Sonido:
Stanley Jones
Fotografía:
Ernest Haller
Montaje:
William H. Ziegler
Vestuario:
Moss Mabry
Reparto:
James Dean
Natalie Wood
Sal Mineo
Dennis Hopper
Jim Backus
Ann Doran
País:
Estados Unidos
Año:
1955
Género:
Drama
Duración:
111 minutos
Todo comienza en la comisaria en la que pronto se correlacionan los personajes principales que son: Judy quien se encuentra ahi porque la confunden con una mujer de la vida galante. Platón el mas jóven de los tres es acusado de matar a unos cachorros aparentemente sin razón alguna y por último el guapisisisimisimo Jim al que pescaron por vagabundear en estado etílico. Alo largo de la escena el director nos deja ver que los tres adolecentes se ven envueltos en nucleos familiares conflictivos lo cual desendadena la conducta agresiva y descarriada de los pobres e incomprendidos chamacos, por si fuera poco la trama necesitaba llevar al espectador al borde del asiento cuando vemos como fallece Buzz el novio de Judy al competir con Jim en una carrera de autos, lo verdaderamente desesperante comienza cuando Platón no puede controlar su miedo y su angustia al sentirse acorralado, aún estando con Judy y con Jim decide empeorar la situation y comienza a dispara a los amigos de Buzz, bueno este muchachito de verdad que no piensa, no termina de salir de una cuando entra a otra y por puro gusto, chamaco baboso. Me choca saber en donde va a parar todo, es tan predecible el fatidico final.
Es tremendo el desgaste de Jim y Judy al tratar de ayudar a su querido y solitario Platón, no cabe duda que el director realizó un buen trabajo al plasmar la conducta arrebatada de los jóvenes de ese tiempo y de la actualidad, por algo les dicen adolecentes porque adolecen, sienten que sus problemas son del tamaño del universo, que nadie los entiende , que nadie los escucha, en fin se adolecen de todo.
Reitero nuevamente que el trabajo del Director llevo a mucho a soltar una que otra lagrimilla, finalmente los pobres muchachillos perdieron a laguien a quien querían y con quien se sentían identificados.
El éxito que generó éste film fue gracias entre otras cosas a la situación en la que Estados Unidos se encontraba en ese momento, la sociedad se sentía desarmada pero gracias a la reconstrucción de la devastada Europa, el capital de los Estados Unidos se fue para arriba, la sociedad miraba como el país se fortalecía económicamente y por ello no comprendían la inconformidad de los más jóvenes, no lograban desifrar porque de su conducta erratica a su parecer los conducía a un futuro deslucido y triste, desde el punto de vista de los adultos todo marchaba viento en popa y los adolecentes no tenían ningún motivo real para entregarse a la delincuencia, si duda la trama generational abarca a nuesta generación y por que no? también a las futuras
Danna Guillén
El Séptimo sello
Ingmar Bergman
“Qué suerte la tuya, tienes una elocuencia como nadie. Te hace creer en tus propias palabras”
Un caballero Cruzado regresa de su aventura, después de haber recorrido los caminos de la guerra y sus consecuencias, a la orilla de una playa fantasmal, y teniendo cerca de su escudero y a su caballo. De la aparente nada aparece una figura, escuálida, negra, para algunos hasta graciosa, La muerte, que indudablemente es algo fuera de lo común: He venido por ti, le dice. Mas el caballero aún no está listo, reta a la muerte a una partida de ajedrez, el ganador se quedará con la vida del caballero. Aquí el Cruzado tratará de sobrevivir, de descubrir algo que le dé sentido a su vida, por si la muerte gana la partida…
En medio de este panorama descubrirá y viajará viendo distintas situaciones que lo acercan a posibles respuestas y un sin fin de conflictos, luchando por vivir, y ser felices, veremos al Cruzado y a los personajes que conoce durante el film.
A decir verdad, cuando ví, hace unos años ya el séptimo sello, dudé de que la película fuera de la década de los 50, en verdad no lo parece, más bien parece de aquél “cine europeo independiente” pues encuentro que la película está plagada de simbologías, al menos asís me pareció cuando la vi. Envueltos en la dura tarea de descifrar lo que el director en realidad quiere decirnos, podríamos pasar horas, puesto que El Séptimo Sello puede parecer tan sencillamente acomodado y realizado en algunas de sus partes, que no podemos creer que sólo se trate de ese bellos pero sencillo escenario y una plática entre dos personajes, y efectivamente, no, este film tiene, además de un contenido propio para reflexionar, unas actuaciones bastante dignas de reconocer, la escenografía en la cual se lleva a cabo la historia es sumamente bella, y refleja, en parte, lo que muchos de los seres humanos hemos sentido alguna vez.
Los personajes reflejan los distintos tipos de personas, por un lado los preocupados existencialistas que se flagelan buscando respuestas, y por otro, las personas que sólo se preocupan de disfrutar al máximo lo que tienen antes de que esto se vaya. Excelente elemento para ponernos a reflexionar. El film se situa en la Edad Media, una época Oscura y llena de mitos y desgracias, como la muerte, en la edad media debido a la peste, en los 50, debido a la bomba atómica, en estos tiempos, a alguna crisis mundial, alguna guerra, un desastre natural o a nosotros mismos.
No fue el primer trabajo de Ingmar, de hecho hubo muchos trabajos antes que éste, mas en el Séptimo Sello logra madurar en cuento a lo que quiere expresar y como quiere hacerlo, de ahí en adelante se gana una fama como director, un prestigio, que lo distinguiría más tarde como un director oscuro y misterioso, pues en varios de sus film trata temas existencialistas, de esos que no nos dejan dormir cualquier buen día.
El lenguaje cinematográfico es funcional y ayuda al toque místico, al igual que la escenografía, el color, es en blanco y negro, pero este es un elemento que ayuda a subrayar el contraste bien y mal, muerte vida, el dilema que tanto se maneja en la película.
Se dice que el título fue extraído del libro del Apocalipsis de San Juan, cuando en el Cielo, los Ángeles van abriendo los sellos, aquí el versículo, que me gusta bastante:
Cuando él abrió el séptimo sello, se hizo silencio en el cielo como por media hora. Y vi a los siete ángeles que estaban delante de Dios, y les fueron dadas siete trompetas. Y otro ángel vino y se puso de pie delante del altar. Tenía un incensario de oro, y le fue dado mucho incienso para que lo añadiese a las oraciones de todos los santos sobre el altar de oro, que estaba delante del trono. Y el humo del incienso con las oraciones de los santos subió de la mano del ángel en presencia de Dios.Y el ángel tomó el incensario, lo llenó con fuego del altar y lo arrojó sobre la tierra. Y se produjeron truenos y estruendos y relámpagos y un terremoto.
En los trabajos de éste director notamos cierto miedo, preocupación por temas como la muerte, dios, el amor y la vida, que son temas que alguna vez todos hemos tenido en nuestra cabeza.
En mi escala, tienes que verla o morir de peste , un clásico indispensable de cualquier cinéfilo, y de cualquier ser humano analítico…
Director: Ingmar Bergman.
Producción: Allan Ekleund
Guión: Ingmar Bergman:
País: Suecia.
Año: 1957.
Música: Eric Nordgren
Fotografía: Gunnar Fischcher.
Reparto: Max von Sydow, Gunnar Björnstrand, Bibi Andersson, Bengkt Ekerot, Nils Poppe
Vértigo 1958 del maestro Alfred Hitchcock
Corrían mis días de universidad cuando el mito de “El director Alfred Hitchcock” llegó a mi manos. Comencé con Psicosis, película que sin duda levantó mi mórbido deseo de continuar descubriendo las diferentes formas de expresión de este director.
Así llegue a Vértigo, y hoy de nuevo regreso a él.
Esta película se rodó en1957 en los estudios Paramount y los exteriores en San Francisco. Alfred dirigió la película basada en la novela D’entre les morts (De entre los muertos) de Pierre Boileau y Thomas Narcejac, el guión fue adaptado por el escritor Alec Coppel, y reescrito posteriormente por Samuel Taylor, un autor teatral de la época.
En un principio el film sería protagonizado con la misma fórmula de psicosis, por Vera Miles, pero al quedar embarazada, y una vez descartada Grace Kelly se llamó a Kim Novak. Y la trama masculina correría a cargo de James Stewart.
El film narra la historia de John “Scottie” Ferguson (Stewart) un detective de la policía de San Francisco, que decide dejar el cuerpo tras un accidente en el que muere un compañero suyo por salvarle la vida en el tejado de un edificio. Tras este suceso Scottie descubre que padece acrofobia, es decir, miedo a las alturas. Poco más tarde un antiguo amigo, Gavin Elster (Tom Helmore), le llama para que vigile a su esposa Madeleine (Novak), quien parece estar poseída por el espíritu de su bisabuela, Carlota Valdés, muerta exactamente cien años antes. La sigue a sitios tan dispares como una floristería, un museo, un hotel, un cementerio, y hasta la bahía de San Francisco, donde junto al Golden Gate Bridge está a punto de suicidarse. A raíz de esto traban una profunda amistad que poco después se convertirá en una irrefrenable pasión. Un día Madeleine le habla de un sueño donde aparece una antigua misión española, y Scottie, conocedor del lugar, le dice que ese sitio existe y la lleva hasta allí. Madeleine se escapa corriendo hacía la iglesia y sube al campanario. Scottie a causa de su vértigo no puede seguirla y poco después la ve caer al vacío. Ha pasado el tiempo, y Scottie (aún tremendamente deprimido) se topa por la calle con Judy Barton (Novak) que es la doble perfecta de Madeleine, pero con algunas diferencias de carácter y físicas. Scottie decide transformar a Judy en Madeleine, y cuando lo ha conseguido, descubre por un collar que ambas son la misma mujer. En su afán de hacerla confesar, la lleva a la misión donde “falleció” Madeleine, y una vez allí Judy se lo explica todo, pero un fatal accidente le deja definitivamente sin la mujer de sus sueños.
Para muchos críticos Vértigo es una historia de amor, narrada por la sublime dirección de Hitchcock, el rey del suspenso, quien muestra con delicadeza como el detective se va enamorando de la mujer a la que debe seguir.
Esta película nos mostró algunas tomas y efectos visiales interesantes como en la escena donde los protagonistas tienen un apasionado beso observado en un emplazamiento de 360 grados y para lo cual los actores fueron colocados sobre una plataforma giratoria consiguiendo así el deseado efecto de que parezca que son las paredes las que se mueven.
O el momento en que la grúa y el zoom trabajan en conjunto para revolver las viseras del espectador y hacerle sentir ese vértigo cuando el está por caer del edificio.
Definitivamente una vertiginosa película para vivir la emoción de salir al balcón y snetir ese miedo...
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